Archivo de la sección: Crítica de arte
Fluxus y Beuys: De la acción de arte a la plástica social
Fluxus es informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978). Este movimiento artístico tuvo expresiones en Estados Unidos, Europa y Japón: en el movimiento Fluxus, figuran artistas como Joseph Beuys , Nam June Paik, George Maciunas, entre otros.
Fluxus se desarrolla a partir del nuevo interés que surge tanto en Estados Unidos como en Europa por el dadá y la figura de John Cage. Opuesto a la tradición artística este movimiento busca ante todo la fusión y la mezcla de todas las prácticas artísticas: música, acción, artes plásticas. Una vez elegido el nombre del movimiento Maciunas edita una antología vanguardista elaborada por Young y proyecta una publicación que refleja el estado de flujo en que se funden las artes. En 1962 Maciunas organiza una gran “Gira Fluxus” que dura hasta 1964, pasando por Moscú, Tokyo y Berlín. En 1963 Joseph Beuys se une a Fluxus en Düsseldorf y los conciertos del grupo de multiplican por toda Europa. Esta efervescencia de Fluxus va acompañada de panfletos, sellos, carteles, películas y cajas que se reeditan muchas veces. En Fluxus se mezcla la alta cultura con la popular, el arte, el juego, lo insignificante y un inexistente valor mercantil del producto o acciones realizadas.
Ontología de lo cotidiano o el cine como antigua costumbre mafiosa
1.- El cine como ontología de lo fantástico
Raúl Ruiz ha configurado con su filmografía un universo poético de sensibilidad barroca. Ruiz, en su Poética del Cine1 va más allá de la escritura literaria y la realización cinematográfica para reflexionar acerca de la naturaleza de la narrativa y la estructura de todo relato posible; esboza modelos analíticos en torno a nociones clave como la “decisión” (lo que inflexiona una acción en un sentido o en otro) y el “conflicto” (lo que organiza de manera elemental dos acciones entre sí)2. Ruiz ofrece una poética del cine que insiste en la capacidad polisémica de narrar que tienen las imágenes. Su cine nace de una continua reflexión acerca del lenguaje y los modos narrativos del cine, así como de su gusto por la experimentación3.
Literatura y Ciencias Sociales
Una de las mayores preocupaciones de nuestra época es, sin duda, la forma como el hombre formula sus pensamientos, sus emociones y sus vivencias a través de los sistemas de signos. La sociedad moderna, caracterizada por su capacidad de auto observación, se preocupa cada vez más sobre la lengua, su naturaleza y el impacto que los disertaciones producen en la interacción humana.
Esta reflexión lleva a una búsqueda: la redefinición del rigor científico. Pensamientos, vivencias y emociones no son el resultado de operaciones comprobables objetivamente, sino que son una realidad en sí misma. De ahí se desprende que no sólo estar al tanto de estas percepciones, sino concebirlas como una dimensión epistemológica, permite involucrar el pensamiento científico con la cultura popular y con los individuos que le dan sentido.
Arte aeropostal: Eugenio Ditborn y Paulo Bruscky
Las formas del arte contemporáneo que reflexionan sobre lo político en un nivel social fragmentado o «molecular», se pueden entender a través del concepto de «micropolítica» desarrollado por Giles Deleuze y Felix Guattari (1997) y por Paul Ardenne (2002). En el presente ensayo, el arte postal se comprende como una práctica artística contemporánea y, por lo tanto, se analiza bajo la óptica «micropolítica».
Inicialmente, se presenta un histórico de esta manifestación artística en el contexto global y, específicamente, en el latinoamericano. Después, se explica el arte postal y su funcionamiento a través de los conceptos de «eternal network» de Robert Filliou (1963), «micropolítica» y «rizoma» de Deleuze y Guattari (1997) y «no-lugar» de Marc Augé (1994). Finalmente, se relacionan dos artistas contemporáneos, Eugenio Dittborn y Paulo Bruscky, que en su actual producción tienen una contundente relación con esta manifestación artística.
La imagen del artista contemporáneo, snobismo y enigma
Snob: ‘Se aplica a la persona que se esfuerza por seguir siempre la moda llamativa, para darse importancia’. La inclinación de la imagen del artista hacia el snobismo plantea la necesidad de mayor atención por parte de la sociología hacia este tipo de personalidad. Leonardo da Vinci era más conocido como científico que como artista en su propio tiempo, y Marcel Duchamp desecha asumir una identidad estable como artista rechazando el papel de creador plástico: ‘Mi arte sería el del ser viviente: cada segundo, cada respiración es una obra que no se inscribe en ningún lugar, la cual ni es visual ni es cerebral’.
Arte Conceptual y Post-conceptual
Resumen:
En este artículo se intenta establecer un diálogo entre teoría y praxis, entre saber y hacer en el ámbito de la actividad artística. Se busca establecer y clarificar los términos para el necesario debate en torno a la cuestión del estatuto ontológico del arte, es decir, determinar si el arte consiste en un saber o más bien –de modo fundamental– en un hacer, esto es, en un oficio o una técnica productiva. ¿Qué objetos, prácticas y fenómenos pueden alcanzar la categoría de ‘arte’ y en razón de qué reciben tal denominación? ¿Puede una idea ser una obra de arte, aun cuando no llegue a su concreción? Cuestiones de este tipo son las que el presente escrito intenta dilucidar.
Palabras Clave:
Arte, conceptual, idea, instalción, objeto, acción, museo, estética, abstracto.
Abstract:
This article tries to establish a dialogue between theory and practice, between knowing and doing in the field of artistic activity. It seeks to establish and clarify the terms for the necessary debate on the question of the ontological status of art, ie, whether the art is to know one or more well-to-in a fundamental way to do this is in a trade or technical production. What objects, practices and events can reach the category of ‘art’ and why they get such a name? Can an idea be a work of art, even if does not reach its conclusion? Questions such as these that this paper tries to elucidate.
Keywords:
Art, conceptual, idea, installation, object, action, museum, aesthetic, abstract.
El narrador como elemento unitario de la novela “Gordas. Historia de una batalla”, de Isabel Velázquez
Universidad Autónoma de Baja California
Gordas. Historia de una batalla es el primer libro publicado de la autora bajacaliforniana Isabel Velázquez (Ensenada, 1969), el cual está organizado en 13 capítulos que relatan las obsesiones y traumas de diversas mujeres obesas y plantean una teoría acerca de qué significa ser un gordo. A pesar de estar conformada por cuentos, esta obra fue merecedora del Premio Binacional de Novela Joven 2001 Frontera de Palabras/Border of Words, y gracias a esto apareció publicada al año siguiente como el número 244 de la colección Fondo Editorial Tierra Adentro.
PETER HANDKE Y WIM WENDERS; El lento regreso del sujeto escindido
La obra de Peter Handke (1942) caracterizada por sus descripciones de personajes desarraigados, existencialmente disponibles –que en situaciones de tránsito deambulan entre carreteras, gasolineras, bares, cines y casas abandonadas– comparte preocupaciones y obsesiones temáticas con Wim Wenders, director de culto, creador de los Road Movies. El sujeto de las novelas de Handke es un ser amenazado por la angustia de la libertad, tal como la que corroe el alma del personaje de “El miedo del portero ante el penalty”, novela que constituye la primera colaboración con Wim Wenders –su compañero de ruta–. A lo largo de 167 páginas, Handke nos trasmite las vivencias de Bloch, un ex portero de fútbol, donde se suceden viajes, estancias en pensiones, asesinatos, recuerdos de su vida de futbolista, peleas, juegos de seducción y muertes absurdas. Ante ellas, la actitud del protagonista es de distanciamiento y falta de emoción.
ALFRED JARRY; Patafísica, Virtualidad y Heterodoxia[1]
![ALFRED JARRY; Patafísica, Virtualidad y Heterodoxia[1]](http://societarts.com/wp-content/uploads/2009/01/jarry51-150x150.jpg)
Escrito con ocasión del simposio sobre Pataphysica celebrado en la Facultad de Bellas Artes de Madrid en octubre de 2005 (29 de haha de 8479). Simposio que recogió la participación de la Sociedad de Neopataphysica de Madrid, eme=M, arte ácaro (Mad/Gi/Bs. aires), el Otro Ilustre Colegio de Pataphysica (Uburriana y Valencia), Ecrevisse (Zaragoza), Pepitas de Calabaza (La Rioja) y Oscar Dedos Agujereados (Palencia). El Simposio logró reunir a fracciones importantes que se relacionan a la pataphysica, colectivos que aún sin aclamar la oficialidad de su dedicación ni su exclusividad no dejan de tener relevancia imaginaria.
El talentoso Míster Ripley de Patricia Highsmith; Viaje a través de la mente de un asesino
Pontificia Universidad Católica de Valparaíso
El mayor logro de A pleno sol (el talento de Ripley) de Patricia Highsmith es su capacidad de configurar un mundo desde el punto de vista de un asesino. A medida que avanzamos en la narración, vamos conociendo las circunstancias que configuraron su personalidad y lo llevaron a considerar la muerte como un elemento esencial en su existencia. A través de la obra nos adentramos en la mente de Thomas Ripley y seguimos paso a paso sus pensamientos, lo que nos permite conocer sus acciones antes de que adquieran forma concreta.
Lo abyecto y monstruoso en el arte de vanguardia
Muchos creadores, a lo largo de la historia, se han sumergido en un ámbito oscuro y trasgresor; las pinturas negras y la trágica serie “Los desastres de la guerra”, de Goya; los seres metamorfoseados y devorados en un violento acto sexual de Picasso; el mundo oscuro y árido dibujado por A. Kubin; Francis Bacon, a través de desnudos deformes e incoherentes, sangrientos y deshuesados; el mundo caótico y viscoso de David Lynch con criaturas que fluctúan cambiando su anatomía, amorfas y monstruosas (Eraserhead). Tod Browning, que presenta un circo repleto de seres con deformaciones espeluznantes que la misma naturaleza ha creado (Freaks). Lo extremo, lo abyecto, lo grotesco y lo monstruoso, son características que muchos artistas han izado como bandera de su trabajo.
“La Muñeca” (’La Poupée’); simulacro y anatomía del deseo en Hans Bellmer
Universidad de Buenos Aires
En los años 30, tiempos “revolucionarios” tanto artística como políticamente, se anudan las mallas de la red que va a atrapar a las mujeres en marcha hacia la emancipación y asignarlas a una dependencia de un nuevo tipo: la dependencia erótica, fuera de la ley, consentida o constreñida, en nombre de la libertad sexual. La operación se condujo con mayor o menor violencia pero partiendo siempre del mismo principio: el de la “revolución sexual” que trabaja el objeto. La “crisis del objeto” (estético) de la que habla Breton es en primer lugar la crisis de “Ese oscuro objeto de deseo” que da título a la película de Buñuel. De las herencias de la construcción cortés, la de la inaccesibilidad, revisitada por los simbolistas (G. Moreau, F. Rops y Mallarmé con su Hérodiade), se pasa al programa de la accesibilidad absoluta.
Así es como en Hans Bellmer -en su Pequeña anatomía del inconsciente físico- aparece la construcción del objeto del deseo, del objeto provocador como instrumento de experimentación, como solución de identidad testimoniada por las obras: dibujos, grabados, fotografías y texto: La “Pequeña anatomía” y la “Muñeca”, que es el tema del Artículo (1) de la Lic. Rosa Aksenchuk (2) que aquí presentamos.
Dr. Adolfo Vásquez Rocca
