Archivo de la sección: Cultura pop
Fluxus y Beuys: De la acción de arte a la plástica social
Fluxus es informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978). Este movimiento artístico tuvo expresiones en Estados Unidos, Europa y Japón: en el movimiento Fluxus, figuran artistas como Joseph Beuys , Nam June Paik, George Maciunas, entre otros.
Fluxus se desarrolla a partir del nuevo interés que surge tanto en Estados Unidos como en Europa por el dadá y la figura de John Cage. Opuesto a la tradición artística este movimiento busca ante todo la fusión y la mezcla de todas las prácticas artísticas: música, acción, artes plásticas. Una vez elegido el nombre del movimiento Maciunas edita una antología vanguardista elaborada por Young y proyecta una publicación que refleja el estado de flujo en que se funden las artes. En 1962 Maciunas organiza una gran “Gira Fluxus” que dura hasta 1964, pasando por Moscú, Tokyo y Berlín. En 1963 Joseph Beuys se une a Fluxus en Düsseldorf y los conciertos del grupo de multiplican por toda Europa. Esta efervescencia de Fluxus va acompañada de panfletos, sellos, carteles, películas y cajas que se reeditan muchas veces. En Fluxus se mezcla la alta cultura con la popular, el arte, el juego, lo insignificante y un inexistente valor mercantil del producto o acciones realizadas.
La metáfora viral, sus mutaciones antropológicas y sus contaminaciones mediáticas
1.- De la literatura conspirativa a la espectralidad de la heroína (1)
“Emitir no puede ser nunca mas que un medio para emitir más, como la Droga. Trate usted de utilizar la droga como medio para otra cosa (…) Al emisor no le gusta la charla. El emisor no es un ser humano (…) Es el Virus Humano.”
W. Burroughs
Burroughs (2) propaga su metáfora paranoica del virus a partir de Naked Lunch –El Almuerzo desnudo (3)–, obra casi inmediatamente posterior a Junky (4) que, desde la misma espectralidad de la heroína, emula con talento la escritura experimental de su época. La manía viral de Burroughs se muestra en cada una de sus obras, pero donde alcanza ribetes delirantes es en su Ensayo de ficción La revolución electrónica (5) , donde el autor postula que el lenguaje humano es un sistema viral invasivo. Según Burroughs, una infección viral atacó a los homínidos del pre-paleolítico catalizando mutaciones deformantes de las neuronas, del aparato sonoro y de la estructura máxilofacial.
Arte aeropostal: Eugenio Ditborn y Paulo Bruscky
Las formas del arte contemporáneo que reflexionan sobre lo político en un nivel social fragmentado o «molecular», se pueden entender a través del concepto de «micropolítica» desarrollado por Giles Deleuze y Felix Guattari (1997) y por Paul Ardenne (2002). En el presente ensayo, el arte postal se comprende como una práctica artística contemporánea y, por lo tanto, se analiza bajo la óptica «micropolítica».
Inicialmente, se presenta un histórico de esta manifestación artística en el contexto global y, específicamente, en el latinoamericano. Después, se explica el arte postal y su funcionamiento a través de los conceptos de «eternal network» de Robert Filliou (1963), «micropolítica» y «rizoma» de Deleuze y Guattari (1997) y «no-lugar» de Marc Augé (1994). Finalmente, se relacionan dos artistas contemporáneos, Eugenio Dittborn y Paulo Bruscky, que en su actual producción tienen una contundente relación con esta manifestación artística.
La imagen del artista contemporáneo, snobismo y enigma
Snob: ‘Se aplica a la persona que se esfuerza por seguir siempre la moda llamativa, para darse importancia’. La inclinación de la imagen del artista hacia el snobismo plantea la necesidad de mayor atención por parte de la sociología hacia este tipo de personalidad. Leonardo da Vinci era más conocido como científico que como artista en su propio tiempo, y Marcel Duchamp desecha asumir una identidad estable como artista rechazando el papel de creador plástico: ‘Mi arte sería el del ser viviente: cada segundo, cada respiración es una obra que no se inscribe en ningún lugar, la cual ni es visual ni es cerebral’.
Arte Conceptual y Post-conceptual
Resumen:
En este artículo se intenta establecer un diálogo entre teoría y praxis, entre saber y hacer en el ámbito de la actividad artística. Se busca establecer y clarificar los términos para el necesario debate en torno a la cuestión del estatuto ontológico del arte, es decir, determinar si el arte consiste en un saber o más bien –de modo fundamental– en un hacer, esto es, en un oficio o una técnica productiva. ¿Qué objetos, prácticas y fenómenos pueden alcanzar la categoría de ‘arte’ y en razón de qué reciben tal denominación? ¿Puede una idea ser una obra de arte, aun cuando no llegue a su concreción? Cuestiones de este tipo son las que el presente escrito intenta dilucidar.
Palabras Clave:
Arte, conceptual, idea, instalción, objeto, acción, museo, estética, abstracto.
Abstract:
This article tries to establish a dialogue between theory and practice, between knowing and doing in the field of artistic activity. It seeks to establish and clarify the terms for the necessary debate on the question of the ontological status of art, ie, whether the art is to know one or more well-to-in a fundamental way to do this is in a trade or technical production. What objects, practices and events can reach the category of ‘art’ and why they get such a name? Can an idea be a work of art, even if does not reach its conclusion? Questions such as these that this paper tries to elucidate.
Keywords:
Art, conceptual, idea, installation, object, action, museum, aesthetic, abstract.
El delirio ciberpunk
No sigo de cerca la televisión, me da miedo. Prefiero mantenerme lejos de ella, por aquello de las radiaciones mentales. De hecho, he seccionado el cable de antena y ahora sólo puedo ver películas blancas y negras en el armatoste pre-bélico que tengo por dvd. Sin embargo, estoy al tanto - aunque puedo haber sido engañado - de la programación actual y sé de los tejemanejes de ‘telahinco’a la hora de confeccionar su agenda fílmica. Hay películas que por su chispa e ingenio, válgame el sarcasmo, merecen ser emitidas una y otra vez, casi siempre en la sesión de tarde, que es la mejor hora y a ser posible en fin de semana. Una de las clásicas ya es ‘Demolition Man’ con Wesley Snipes y Sylvester Stallone cara a cara. El rubio teñido contra el moreno natural. El policía contra el asesino. El negro contra el blanco en una sociedad del futuro (por supuesto americana, véase el Pizza Hut), excesivamente aburguesada en el que la violencia ha dejado de ejercerse. No durará mucho tiempo. Lo peor de todo es la película que suelen poner después. Siguiendo con el tirón de Rambito en el futuro, el espectador comienza a pensar en el suicidio cuando lee los créditos iniciales de la infumable ‘Juez Dredd’ de cuyo director, prefiero no acordarme. No se lo merece.
EL MODELO FRANKENSTEIN (de la diferencia a la cultura post) Libro de Rosa María Rodríguez Magda – Tecnos.
EL MODELO FRANKENSTEIN (de la diferencia a la cultura post)
Premio “Juan Gil Albert” de Ensayo.1996
Rosa María Rodríguez Magda
(Madrid, Tecnos, 1997).
Índice, Introducción y Primer capítulo.
ÍNDICE
.Introducción
.Capítulo 1. Transmodernidad, neotribalismo y postpolítica
.Capítulo 2. Jacobinos y mestizos en el rapto de Europa
.Capítulo 3. Filosofías de la diferencia
.Capítulo 4. Femenino transmoderno
.Capítulo 5. La teorización del género en España: Ilustración,
Diferencia y transmodernidad
Capítulo 6. El monstruo y yo
I. La intimidad
II.La infancia de Medusa
III.Del modelo transexual al paradigma de lo monstruoso
.Capítulo 7. De Frankenstein a la estética de la diferencia
.Capítulo 8. El bucle y los mundos duales. Una metafísica
del trayecto
PETER HANDKE Y WIM WENDERS; El lento regreso del sujeto escindido
La obra de Peter Handke (1942) caracterizada por sus descripciones de personajes desarraigados, existencialmente disponibles –que en situaciones de tránsito deambulan entre carreteras, gasolineras, bares, cines y casas abandonadas– comparte preocupaciones y obsesiones temáticas con Wim Wenders, director de culto, creador de los Road Movies. El sujeto de las novelas de Handke es un ser amenazado por la angustia de la libertad, tal como la que corroe el alma del personaje de “El miedo del portero ante el penalty”, novela que constituye la primera colaboración con Wim Wenders –su compañero de ruta–. A lo largo de 167 páginas, Handke nos trasmite las vivencias de Bloch, un ex portero de fútbol, donde se suceden viajes, estancias en pensiones, asesinatos, recuerdos de su vida de futbolista, peleas, juegos de seducción y muertes absurdas. Ante ellas, la actitud del protagonista es de distanciamiento y falta de emoción.
Vitalidad del Rock[1]:Motorizer, la nueva artillería de Motörhead .
![Vitalidad del Rock[1]:Motorizer, la nueva artillería de Motörhead .](http://societarts.com/wp-content/uploads/2009/01/rock5-150x150.jpg)
Sir. Kilmister—. Los discos de Motörhead [2] son guerras, batallas: cañonazo del Rickenbaquer[3]. En los grandes grupos del rock[4], y más incluso en un sub-género de tan difícil ejecución —en el tempo de una nota se tocan, por dar un ejemplo, cuatro— como es el heavy metal, es indiferenciable el carácter (en el sentido schopenhaueriano de su belleza metafísica El mundo como representación y voluntad) que le imprime “el cabecilla carismático” al nervio último de la ejecución instrumental total: El baterista es una patada en el jubilado culo de Lemmy y Lemmy los ilumina, conteniéndolos, con voz carrasposa, sentido del humor, cigarrillo y whiskey. Es cierto que sucede con muchos otros, cientos de nombres propios y disímiles formas musicales y no musicales: La Cultura no es otra cosa que una Razón parlante mediada por el gusto y el temperamento (Nietzsche para principiantes) Lo que intento destacar, y muy superficialmente, es que un excelente instrumentista de jazz, música clásica, tango puede carecer, por completo, de carisma —pseudo-concepto weberiano pasible de ser reducido a: Portador de un don específico del cuerpo y del espíritu no accesible a todos[5]– lo cual no sucede en ninguno de los géneros, y sub-géneros, donde lo que importa, y es escena, es la relación simbiótica entre Artista y Público. Como preguntan (a veces muy ofendidos) quienes, respecto de un asunto puntual no desean escuchar ni saber nada, si les lacera el narcisismo: ¿Y qué significa todo esto? Entiéndase mi explique: Con la excusa de Motorizer, polemicemos la cultura[6].
El talentoso Míster Ripley de Patricia Highsmith; Viaje a través de la mente de un asesino
Pontificia Universidad Católica de Valparaíso
El mayor logro de A pleno sol (el talento de Ripley) de Patricia Highsmith es su capacidad de configurar un mundo desde el punto de vista de un asesino. A medida que avanzamos en la narración, vamos conociendo las circunstancias que configuraron su personalidad y lo llevaron a considerar la muerte como un elemento esencial en su existencia. A través de la obra nos adentramos en la mente de Thomas Ripley y seguimos paso a paso sus pensamientos, lo que nos permite conocer sus acciones antes de que adquieran forma concreta.
Lo abyecto y monstruoso en el arte de vanguardia
Muchos creadores, a lo largo de la historia, se han sumergido en un ámbito oscuro y trasgresor; las pinturas negras y la trágica serie “Los desastres de la guerra”, de Goya; los seres metamorfoseados y devorados en un violento acto sexual de Picasso; el mundo oscuro y árido dibujado por A. Kubin; Francis Bacon, a través de desnudos deformes e incoherentes, sangrientos y deshuesados; el mundo caótico y viscoso de David Lynch con criaturas que fluctúan cambiando su anatomía, amorfas y monstruosas (Eraserhead). Tod Browning, que presenta un circo repleto de seres con deformaciones espeluznantes que la misma naturaleza ha creado (Freaks). Lo extremo, lo abyecto, lo grotesco y lo monstruoso, son características que muchos artistas han izado como bandera de su trabajo.
ANDY WARHOL: “Mi filosofía de A a la B y de B a la A”
Andy Warhol dictó a Patt Hackett, su secretaria, dos libros “Mi filosofía de A a la B y de B a la A”[1], y ‘Diarios’ en los que el artista se retrata con una fina ironía y un cinismo mordaz. En estos originalisimos libros que constituyen una crónica de la vanguardia artística de New York y su particular fauna, Warhol – a través de un genial repertorio de ironías y agudas observaciones- nos ofrece lo que es fundamentalmente una crónica del americam way of life, de su glamour y decadencia.
